Die OFF-Fotografen

Paul Pibernig: Ja! Ich sollte mal ein Kunstwerk abfotografieren. Dass das Bild verkehrt herum an der Wand hing, bemerkte ich leider zu spät. Erst im Nachhinein fiel mir das auf, ich bin dann eiligst zurück, um mein Malheur zu beheben.

PP: Ich habe keines am Handy.

Sebastian Gansrigler: Ich auch nicht. Das letzte Foto, das fast wie ein Selfie wirkt, hat meine Freundin 2018 von mir geschossen, bevor sie mir die Haare kurz geschnitten hat – also ich mit langer Mähne vor zwei Jahren, aber es war kein Selfie, sorry!

SG: Damit sind Künstlerinnen gemeint, die noch nicht im Mainstream angekommen sind. Die in kleinen, unbekannteren Galerien ausstellen, von keiner großen Fotoagentur vertreten werden und noch keine große Reichweite haben. Wir wären gerne internationaler, aber das ist, wenn überhaupt, erst im Budget fürs kommende Jahr drin.

PP: Wichtig ist, dass diese Fotografinnen einen starken künstlerischen Ansatz haben, und dass es sich nicht um kommerzielle Arbeiten handelt. Wir haben bewusst sehr unterschiedliche Arbeiten und Stile ausgewählt, um die Vielfalt der Off-Szene abzubilden.

SG: Ich finde alle Trends nervig (lacht). Auf Social Media ist etwas oft nur eine Woche lang trendy. Die Frage ist, was ist überhaupt ein Trend? Es gibt Trends, die sich über hundert Jahre halten, andere nur zwei Monate lang.

PP: Ich finde es aus Prinzip dumm, einen Trend mitzumachen. Interessanter finde ich derzeit allerdings diese Renderings, also computergenerierte Fotografie. Multimediale Bilder, bei denen man nicht mehr sicher sagen kann, wo das Foto anfängt oder aufhört – die Mediengrenzen verschwimmen. Das finden wir beide spannend.

SG: Beides hat seine Vorteile. Beruflich sind wir alle dazu gezwungen, digital zu arbeiten – aus Kosten- und Zeitgründen. Für freie Projekte und hobbymäßig ist aber analoge Fotografie interessanter, weil sie sich langlebiger anfühlt und nicht so schnell verschwindet wie eine Website. Ein analoges Magazin kann alle Sinne bespielen: Man kann es berühren, riechen, etwas damit machen. Digitales kann man nur sehen.

PP: ... lernt man wieder. Vor Kurzem hat Friedl Kubelka in einem Interview mit dem „STANDARD“ gesagt, dass die Jungen alle scharf drauf sind, in der Dunkelkammer zu arbeiten.

PP: Ja, schon immer! Ich entwickle sehr gerne selbst, vor allem schwarz-weiß. Teilweise arbeite ich für Aufträge auch analog, zum Beispiel für die Diagonale. Das muss dann schnell gehen – aber das kann es auch: Du gibst den Film im Fotostudio ab und hast die Fotos gleich am nächsten Tag.

PP: Ich poste eigentlich nur persönliche Arbeiten, die sind fast immer analog. Ich empfinde das nicht als paradox, weil das Analoge trotzdem durchscheint. Der Stil ist ersichtlich und präsent. Instagram ist aufgrund der geringen Auflösung natürlich trotzdem recht mühsam.

PP: Manche können besser mit Corona umgehen als andere. Elodie Grethen, die auch bei uns ausstellt, ist jetzt für drei Monate nach Paris gegangen. Am Zaun des Wien Museums waren Porträts von ihr ausgestellt, sie ist also trotz Corona präsent. Mir ist auch aufgefallen, dass die Leute gerade vermehrt Kunstwerke kaufen. Vielleicht, weil sie jetzt Zeit haben, sich damit zu beschäftigen, oder sich denken: „Ich könnte zuhause noch was aufhängen.“

SG: Horror ist immer, wenn technische Probleme auftreten. Fehler können aber auch schön sein, wenn Dinge auf dem Bild entstehen, die so nicht geplant waren. Ein Beispiel: Die Kamera ist nicht richtig verschlossen und irgendwo fällt Licht rein. Diese typischen Bildfehler haben etwas Besonderes – wenn trotzdem ein brauchbares Foto entsteht

PP: Ich habe dieses Jahr eine alte Mittelformatkamera, die Pentax 67, wieder ausgepackt. Die ist wirklich schwer, ich muss mich jedes Mal überwinden, sie mitzunehmen, habe sie aber sehr lieb gewonnen. Die beherrscht einen richtig, wenn man sie dabei hat.

SG: Ich benutze gerade eine Mamiya 645, mit der mein Papa früher fotografiert hat, und die auch ich wahnsinnig gerne verwende. Ich wechsle aber eigentlich lieber ab und versuche, verschiedene Kameras und verschiedene Formate durchzuprobieren.

PP: Mich muss etwas besonders ansprechen. Das können ganz verschiedene Dinge sein: kleine Details im Bild, der Bildausschnitt, die Farbe. Letztere beeinflusst zum Beispiel sehr stark die Stimmung eines Fotos.

SG: Nichts ist gut oder schlecht, das ist subjektiv. In unserer Blase mit unseren Künstlerfreundinnen finden wir alles gut, weil es in eine ähnliche Richtung geht. Wenn wir uns davon weit entfernen, zum Beispiel auf einer Mainstream-Fotomesse, finden wir das wahrscheinlich eher schlecht.

PP: Oder man kann sich total davon inspirieren lassen ...

SG: Stimmt, es kann auch so schlecht sein, dass es eigentlich schon wieder cool ist. Es gibt „unabsichtlich trashig“ und „absichtlich trashig“.

PP: Als Organisatoren, die viel mit Fotografie zu tun haben, finden wir immer wieder etwas Interessantes und für uns Neues. Als Künstlerin steht man sowieso immer auf den Schultern von jemand anderem.

SG: Neue Werke sind immer eine Abwandlung von älteren. Als Festivalkuratoren suchen wir etwas, das nicht schon tausendmal durchgekaut wurde.

PP: Ich habe im Kindergarten mal meine Kameradinnen fotografiert, aber das war völliger Blödsinn. Da waren unten rechts die Köpfe, und links oben war der Apfelbaum.

SG: Das wäre ein interessantes Projekt: die ersten Bilder von berühmten Fotografinnen auszustellen.

PP: Mir wäre es bei einem Porträt-Shooting, das ja was sehr Intimes ist, wichtig, dass mir die Fotografin sympathisch ist. Es sollte also eine Person sein, die ich ein bisschen kenne oder mit der ich im Laufe des Shootings eine gewisse Nähe aufbauen kann.

SG: Von keiner (lacht). Ich bleibe lieber hinter der Kamera.